février 2025 – Pierre Tomy Le Boucher

Publié le 27 février 202527 février 2025 par pierretomyleboucher

Une Alchimie de l’Instinct et du Chaos

L’humanité s’est toujours heurtée à la question du désordre mental, oscillant entre fascination et effroi face à ces esprits qui échappent aux contingences normatives. Mais faut-il voir dans la folie un simple égarement de la raison, une brisure dans la continuité de la pensée, ou bien une autre modalité de l’être au monde ? La distinction entre folie et démence s’impose d’emblée : la première, intemporelle et protéiforme, incarne la révolte contre les codes établis, tandis que la seconde, s’attachant aux déficiences organiques de l’esprit, s’évalue dans les cliniques et s’éprouve au chevet des déments.

C’est précisément à cette nécessité d’évaluation que répond l’outil diagnostique Mini Mental State (MMS) de Folstein, dont la rigueur méthodologique permet de cerner, en un laps de temps réduit, l’ampleur des altérations cognitives. Le professeur Roger Gil, dans son ouvrage Neuropsychologie, souligne la pertinence de ces examens, non pour circonscrire l’humain à un score, mais pour mieux comprendre les effondrements progressifs de la pensée et leurs répercussions sur l’identité même du sujet.

Dès lors, que se passe-t-il dans l’esprit d’un dément ?

L’expérience de la démence se caractérise par une perte progressive de la linéarité du temps. Le passé et le présent s’entrelacent dans une confusion brumeuse, où les souvenirs se fragmentent et se recomposent de manière erratique. L’ordre chronologique s’efface au profit d’une mémoire trouée, faite de réminiscences sans logique apparente.

Vient ensuite l’altération de la reconnaissance. Les visages, jadis familiers, deviennent anonymes. Les objets usuels se transforment en énigmes insolubles. Cette dissolution du réel affecte jusqu’aux lieux : l’habitation quotidienne devient un territoire étranger, un labyrinthe peuplé de formes évanescentes.

La parole et le sens s’effacent à leur tour. Les mots se dérobent, se délitent dans la bouche du malade, comme s’ils étaient détachés de leur signification. L’expression verbale devient une lutte contre le vide, un combat incertain contre la désagrégation du langage.

Enfin, les fulgurances hallucinatoires viennent recomposer un monde hybride, où l’imaginaire se superpose au tangible. Le réel se peuple de figures indistinctes, de formes mouvantes, de voix surgies du néant. Parfois inoffensives, parfois terrifiantes, ces visions sont le dernier rempart d’une pensée qui se dérobe.

Face à ces bouleversements, l’art brut surgit comme une énigme, une manifestation iconoclaste, libérée des carcans académiques. Jean Dubuffet, négociant en vins avant d’être le théoricien de ce courant, fut l’un des premiers à percevoir la puissance créatrice des marginalités. Là où l’histoire de l’art encense la virtuosité et la maîtrise des canons picturaux, l’art brut inverse les postulats : il n’obéit à aucune école, n’émane d’aucune filiation et se construit sans référence aux dogmes esthétiques consacrés. Ce qui s’exprime dans ces œuvres n’est ni une recherche de beauté ni une démonstration technique, mais l’exutoire d’une pensée hors norme, une fulgurance née de l’informel et du geste pulsionnel.

Dubuffet s’émerveille devant cette spontanéité brute, voyant dans ces productions une vérité débarrassée des artifices de la culture. Loin des salons policés où l’on disserte sur les mouvements picturaux, l’art brut s’ancre dans une nécessité vitale, un langage primaire où la main semble traduire directement les vertiges de l’âme.

Ainsi, si la folie et la démence déconcertent par leur opacité, elles offrent paradoxalement une porte d’entrée vers une forme d’expression où l’inconscient retrouve sa pleine souveraineté. Loin d’être une aberration, l’art brut se présente comme l’ultime témoignage de ce que l’esprit humain, lorsqu’il s’affranchit des normes, peut produire d’insoupçonné.

Publié le 21 février 202521 février 2025 par pierretomyleboucher

Entre le mot et l’image, l’écho d’un regard

L’art, sous toutes ses formes, est un langage. Mais un langage fragile, semé d’ambiguïtés, de nuances subtiles qui échappent à celui dont les références ne coïncident pas avec celles de l’artiste. Ainsi, la littérature, en jouant sur l’ambiguïté du mot, en ciselant ses phrases, en convoquant les symboles, s’offre à celui qui possède les clefs de son interprétation. Elle se rapproche des arts plastiques dans cette quête de signifiance, où chaque trait, chaque teinte, chaque texture devient une phrase muette, un discours sans syntaxe mais chargé de sens. Baudelaire, dans ses « Fleurs du mal », offre une poésie où le mot devient image, tout comme Turner, avec ses paysages noyés de lumière, laisse à voir une vision intérieure plus qu’un simple paysage.

De même, la danse, langage du corps en mouvement, entretient un dialogue secret avec la peinture et la sculpture. Le geste chorégraphique, tout comme le trait du pinceau, fige ou prolonge un instant dans l’espace, capturant l’éphémère pour lui donner une forme tangible. Isadora Duncan, révolutionnant la danse, cherchait à exprimer une liberté organique du mouvement que l’on retrouve chez Rodin dans ses sculptures de corps en tension. Le théâtre, quant à lui, articule l’image et la parole, entremêlant le verbe et le corps dans une scénographie où les jeux de lumière et de matière ne sont pas sans rappeler les compositions picturales de Caravaggio, où l’ombre et la lumière théâtralisent la scène avec une intensité dramatique.

La musique, dans son abstraction sonore, joue avec le temps comme la peinture joue avec l’espace. Elle structure le vide, impose un rythme au silence, tout comme une toile construit son propre équilibre entre le plein et le vide. La musique dodécaphonique de Schönberg déconstruit les attentes de l’auditeur comme Malevitch, avec son « Carré blanc sur fond blanc », défie le regard à travers une radicalité formelle. Le cinéma, à la croisée de toutes ces disciplines, absorbe et retranscrit, modelant le réel pour le transformer en un art total où chaque image pourrait être un tableau, chaque séquence une composition plastique. Tarkovski, dans « Stalker », fait de chaque plan une méditation picturale, où la temporalité s’étire comme dans une peinture de Vermeer.

Enfin, l’architecture, dans sa monumentalité, ne se contente pas d’être fonctionnelle : elle est aussi sculpture habitée, peinture habitée, espace pensé comme un tableau tridimensionnel où se déploient des intentions esthétiques. Le Bauhaus, avec ses lignes épurées et son approche fonctionnaliste, renvoie à l’abstraction géométrique de Mondrian, où l’équilibre des formes est une recherche de pureté universelle.

Face à cette mosaïque de langages artistiques, le spectateur ou le lecteur se heurte à ses propres limites. Chacun perçoit à l’aune de sa culture, de son expérience, de sa mémoire. Et ainsi, nous nous heurtons à cette incapacité à comprendre pleinement l’autre, à habiter sa vision du monde. Mais peut-être qu’un jour, une intelligence artificielle, absorbant et modélisant toutes ces nuances, pourra nous offrir la clef de cette compréhension universelle, abolissant les frontières qui nous séparent, nous offrant enfin un regard partagé sur la beauté du monde.

Publié le 21 février 202521 février 2025 par pierretomyleboucher

L’art du goût et du regard

Dans l’obscurité feutrée d’un restaurant étoilé, un plat est déposé avec une solennité quasi liturgique : un cabillaud nacré, saisi à la perfection, trône sur un lit de pommes de terre fondantes, rehaussé de touches délicates d’une émulsion citronnée. L’éclairage souligne chaque relief, chaque éclat de nacre sur la chair tendre du poisson, révélant une œuvre où le goût et l’esthétique s’entrelacent. Autour de cette création, en contrepoint brutal, s’amoncellent les stigmates d’une alimentation standardisée : des frites grasses abandonnées dans leur carton froissé, des barquettes de sauce dégoulinantes d’exhausteurs de goût, des sodas éventés, des ailes de poulet baignant dans un bain huileux.

Si la peinture a connu son débat entre coloristes et dessinateurs, la cuisine pourrait revendiquer une querelle similaire entre la recherche du goût originel et l’artifice des saveurs reconstruites. Le grand chef, à l’instar du peintre de l’intellect, cherche à révéler la vérité du produit, à sublimer sans masquer. L’industrie alimentaire, elle, comme le coloriste exalté, exacerbe le plaisir immédiat au prix de la subtilité et de la nuance. Là où l’un sculpte la saveur, l’autre l’explose, la surligne jusqu’à l’excès.

Mais la gastronomie de haute volée soulève un paradoxe : si l’art culinaire vise l’excellence, à qui s’adresse-t-il réellement ? Nous mangeons pour vivre, non l’inverse. Or, comment justifier un repas à plusieurs centaines d’euros, vins compris, lorsqu’il est possible de se nourrir pour une somme dérisoire ? L’argument du savoir-faire et du raffinement se heurte à une réalité plus crue : l’accès à l’excellence est une question de privilège. L’émotion esthétique et sensorielle serait-elle alors réservée à une élite ?

Pourtant, tout comme en peinture, le fast-food n’est pas dénué de sa propre rhétorique. Il est la réponse à un monde qui va vite, où l’efficacité prime sur la contemplation, où l’on ne cherche plus à savourer mais à combler un vide. Il rassasie sans nourrir, il attire sans élever. Là où la haute cuisine s’adresse à un palais éduqué, l’alimentation industrielle façonne les goûts en nivelant par le bas, rendant fade ce qui devrait être vibrant, uniforme ce qui devrait être singulier.

Le débat entre coloristes et dessinateurs n’a jamais été tranché définitivement, car il renvoie à deux sensibilités irréconciliables : l’une cherche la fulgurance de l’émotion, l’autre l’élévation de l’esprit. La cuisine suit-elle le même chemin ? Peut-être. Mais en fin de compte, ce qui est en jeu dépasse le simple choix du goût : c’est notre rapport à la nécessité, au plaisir et à la culture qui s’exprime dans l’assiette.

Le dessin, ossature de la pensée

Au XVIIe siècle, la querelle fait rage entre deux écoles irréconciliables : d’un côté, André Félibien et les défenseurs du dessin, de l’autre, Roger de Piles et les coloristes. Philippe de Champaigne, citant Aristote, tranche sans ambages : la couleur n’est qu’un accident, une fioriture éphémère, tandis que le dessin est la substance, la structure fondatrice de toute œuvre.

Le trait, précis et rigoureux, s’adresse à l’intellect. Il n’est point séduction immédiate, mais élévation. En fixant la pensée dans ses contours, il se refuse aux séductions futiles du visible. Comme un grand plat épuré, il s’adresse aux palais initiés, capables de déceler l’intention, de lire dans l’ombre d’un croquis l’épure d’une idée.

La couleur, envoûtement des sens

Les coloristes, à l’inverse, proclament que sans couleur, point de vie. L’œil ne saurait percevoir les objets dans leur vérité sans la vibration chromatique qui les révèle. La couleur ne se contente pas d’imiter la nature : elle l’exalte, la transcende. L’éclat d’un Caravage, la transparence d’un Vermeer ne sauraient se réduire à une structure dessinée : ils vivent, palpitent dans le clair-obscur, dans la lumière jaillissant du pigment lui-même.

À l’image des sauces opulentes et des saveurs exacerbées, la couleur ensorcelle, charme immédiatement. Elle émeut sans nécessiter d’apprentissage, séduisant autant les érudits que les profanes. C’est ce que résume Mignard, reprenant Alberti : « La peinture est de plaire aux savants et de charmer les ignorants. »

Un combat sans vainqueur

À bien y regarder, la querelle du dessin et de la couleur résonne aujourd’hui encore. Dans un monde saturé d’images flamboyantes, la contemplation du trait pur semble une discipline en voie d’extinction. Pourtant, de même que la grande cuisine se distingue en ramenant les saveurs à leur essence, l’art qui sait se dépouiller de l’ornementation facile touche à l’intemporel.

Le clair-obscur des maîtres baroques a triomphé en fusionnant les contraires : un dessin rigoureux, un coloris maîtrisé. Peut-être est-ce là, dans cette tension féconde, que réside la véritable quintessence de l’art : une pensée structurée, habillée d’une séduction mesurée.

Publié le 14 février 202514 février 2025 par pierretomyleboucher

La musique du corps et la musique de l’âme

Il est des sonorités qui s’imposent au corps avec la tyrannie d’un instinct primitif, pulsant dans la chair comme une injonction irrépressible à l’agitation, et d’autres qui s’adressent directement à l’âme, suscitant une élévation, une méditation, voire une extase intérieure. De cette dichotomie naît un dialogue entre deux conceptions de la musique : l’une, fondée sur l’immédiateté du rythme et l’exaltation du mouvement ; l’autre, sur la profondeur de l’harmonie et la densité du silence.

La musique populaire, celle qui accompagne les foules dans leur déchaînement festif, appartient au corps. Elle épouse les cadences naturelles du battement cardiaque, de la marche, de la danse, et se fait complice des transes collectives. Du rock à la techno, du tango au hip-hop, elle se déploie comme un langage physique, une invitation à s’ancrer dans l’instant, à exulter sans contrainte. Mais le jazz, cet art du déséquilibre et de l’improvisation, navigue en un entre-deux subtil. Il s’infiltre dans les méandres de l’intellect sans renoncer aux syncopes du corps. Il est la musique de l’âme incarnée.

À l’opposé, la musique classique semble dédaigner le frémissement de la chair pour mieux s’adresser aux hauteurs de l’esprit. Écouter une fugue de Bach, une sonate de Beethoven ou un nocturne de Chopin ne saurait donner lieu à une gesticulation triviale : cette musique contraint l’auditeur au recueillement, à la contemplation. Elle ne se contente pas d’être entendue, elle exige d’être écoutée, absorbée, assimilée. Par sa sophistication structurelle et son éloquence sans paroles, elle dialogue avec l’indicible et dévoile les contours d’un monde intérieur. À cette dernière catégorie, il convient d’ajouter la musique dodécaphonique et sérielle, qui déconstruit toute harmonie attendue pour forcer l’auditeur à une écoute purement intellectuelle, éloignée de toute séduction immédiate.

Dans les arts plastiques, cette opposition se retrouve dans la tension entre l’abstraction et la figuration. L’art figuratif, dans son immédiateté narrative, sollicite un regard instinctif, reconnaissant sans effort les formes du monde. Il capte le spectateur par son expressivité directe, à l’instar de la musique populaire qui saisit immédiatement les sens. L’abstraction, en revanche, requiert une approche plus contemplative, un abandon aux formes pures, aux couleurs et aux matières, sans médiation figurative. Elle opère comme la musique de l’âme, dans une profondeur où l’intellect et la sensibilité se fondent en un seul élan.

Le Pop Art, en cela, incarne une rupture. À l’instar de la musique populaire qui désacralise l’acte musical en le rendant accessible, il fait éclater les conventions élitistes de l’art en introduisant des éléments du quotidien et de la culture de masse. Warhol et Lichtenstein, par leurs détournements d’images commerciales, opèrent comme le rock ou la pop music : une célébration de l’immédiateté et de la répétition. À l’opposé, l’art conceptuel ou l’abstraction lyrique, tout comme la musique dodécaphonique d’un Schönberg, déconstruit les attentes pour imposer une approche cérébrale, voire initiatique, de l’expérience artistique.

Ainsi, la musique du corps et la musique de l’âme ne s’opposent pas tant qu’elles se complètent. L’une incarne le mouvement, l’autre la réflexion. L’une exalte le présent, l’autre scrute l’éternité. Comme en peinture, où l’exubérance d’un fauviste s’oppose à la rigueur géométrique d’un Kandinsky, la musique se décline en ces deux sensibilités, qui ne s’annulent pas mais se répondent en un dialogue incessant entre la terre et le ciel.

Publié le 3 février 20256 février 2025 par pierretomyleboucher

Les fautes d’orthographe

Les fautes d'orthographe sont au texte ce que le mauvais goût est aux couleurs

Introduction

« Les fautes d’orthographe sont au texte ce que le mauvais goût est aux couleurs. » Cette sentence, dans sa brièveté percutante, ouvre un champ de réflexion complexe où se croisent les domaines de la linguistique, de l’esthétique et de l’éthique. Comment comprendre cette analogie entre les fautes orthographiques, perçues comme des brèches dans la structure linguistique, et le mauvais goût en matière de couleurs, qui déforme l’harmonie visuelle ? Au-delà d’une simple critique technique, cette comparaison invite à interroger les notions de justesse, de cohérence et de beauté, non seulement dans l’art du langage, mais dans l’ensemble des productions humaines.

L’orthographe comme discipline de la forme

L’orthographe, souvent considérée comme un élément secondaire du langage, est en réalité un pilier fondamental de la transmission des idées. Elle structure, cadre et organise la pensée, tout comme les lignes et les formes délimitent une composition picturale. Une faute d’orthographe, loin d’être une simple maladresse, introduit une dysharmonie qui peut aller jusqu’à dénaturer le message initial. Ainsi, une erreur dans la langue écrite révèle une rupture dans la discipline formelle et trahit une absence de soin ou de maîtrise.

Mais l’orthographe n’est pas qu’une question de règles. Elle est également un vecteur d’esthétique. Les mots bien orthographiés se déploient comme les notes d’une partition musicale, créant une mélodie visuelle et cognitive. Une faute, en revanche, introduit une dissonance – un accroc dans la fluidité de l’expérience intellectuelle. Ce parallèle souligne à quel point l’orthographe participe à la beauté globale du langage, tout comme la justesse chromatique est essentielle à l’harmonie d’une œuvre d’art.

La couleur comme langage universel

La couleur, quant à elle, transcende les barrières linguistiques pour s’adresser directement à nos sens et à notre perception intuitive. Pourtant, elle obéit à des règles implicites : les combinaisons chromatiques, les contrastes et les nuances doivent être orchestrés avec soin pour produire une image harmonieuse. Une couleur mal choisie ou mal appliquée peut évoquer une impression de cacophonie, voire de malaise visuel. Cette maladresse, bien que subjective, peut résonner comme un échec de communication.

L’analogie avec l’orthographe est éclairante : tout comme une faute dans un texte, une discordance chromatique distrait et détourne l’attention du spectateur du message principal. Dans les deux cas, le mauvais usage engendre une réaction – parfois inconsciente, mais toujours perceptible – qui affecte la réception globale de l’œuvre ou du discours.

L’éthique de la justesse

Cette comparaison entre fautes d’orthographe et erreurs chromatiques transcende les dimensions techniques ou esthétiques pour toucher à une question d’éthique. La justesse, dans les mots comme dans les couleurs, relève d’un devoir envers soi-même et envers autrui. Elle témoigne d’une volonté de précision, d’une recherche de l’harmonie et d’un respect de l’autre en tant que récepteur.

Si l’orthographe et la couleur partagent cette exigence de justesse, elles diffèrent par leur mode de réparation. Une faute orthographique peut être corrigée rapidement, mais une couleur mal employée dans une peinture ou un design demande souvent un effort supplémentaire, voire un renoncement pour rectifier l’ensemble. Cela souligne l’importance du soin initial, cette éthique de la préparation qui prévient les erreurs plutôt que de chercher à les corriger.

Vers une beauté universelle

En fin de compte, cette comparaison entre l’orthographe et la couleur nous rappelle que la beauté n’est pas un simple ornement, mais un état d’être, une manière de rendre hommage à la complexité du monde et à la capacité humaine à le comprendre et à le sublimer. La justesse des mots et des teintes est une manière de se situer dans l’univers, de proclamer que même dans les plus petites choses – une phrase, une touche de pinceau – réside une partie de l’infini.

Conclusion

« Les fautes d’orthographe sont au texte ce que le mauvais goût est aux couleurs. » Cette phrase, simple en apparence, contient une vérité profonde. Elle nous invite à cultiver la précision et la beauté dans nos créations, qu’elles soient langagières ou visuelles. Car c’est dans cet effort de justesse que se trouve la véritable expression de l’humanité.

Toutes les couleurs ont le droit d’exister. Ont-elles aussi le droit de coexister ?

Personnellement, pour la correction de mes livres, je fais appel à Cécile Meunier : https://www.linkedin.com/in/c%C3%A9cile-meunier86/ – Email : cmts86@gmail.com.

N’hésitez pas à la contacter.